En 1986, Séroux, aux cotés de Wim Delvoye, Angel Vergara, et quelques autres, il est l'un des finalistes du prestigieux "Prix de la Jeune Peinture Belge" et exposé au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles - BOZAR.

La presse veut le rencontrer. Il est introuvable.

Sa vie est ailleurs, quelque part dans l'océan indien sur une île située entre l'Australie et l'Ile Maurice, hors des routes maritimes et touristiques : l'île Rodrigues. 

Il y séjourne un livre à la main : "Voyage à Rodrigues" de Jean-Marie Gustave Le Clézio qui sera plus tard prix Nobel de littérature.

Avec un livre

L'Ile Rodrigues, Le Clézio la décrite comme « issue de la mer, portant sur elle l'histoire des premières ères : blocs de lave jetés, cassés, coulées de sable noir, poudre où s'accrochent les racines de vacoas comme des tentacules. » 

L'écrivain y était passé pour rédiger in situ l'histoire de la quête de son grand-père : 

«N'est-ce pas comme pour le personnage de Wells, pour chercher à remonter le temps ?» 

Il se demandait comment cet homme, avait pu endurer pareilles conditions de vie pendant des années, pareille solitude, comment définir son obsession, cerner avec des mots "cette fièvre du chercheur d'or", « le langage est un secret, un mystère »... 

Cette obsession, cette recherche harassante d'un trésor hypothétique, c'est avant tout la quête d'un bonheur perdu.

Le Clézio est frappé par le contraste entre l'obsession solitaire de son grand-père et la guerre totale de 14/18 qui fait rage en Europe.

Contraste aussi entre un rêve irréalisable d'un homme pendant qu'un monde ancien s'effondre dans la destruction.

Or même sur cette île minuscule, la guerre va s'imposer par l'ombre de sa présence inquiétante.

En 1983, Séroux séjourne dans cet état d'esprit, plusieurs mois, dans l'île d'HIVA OA aux Marquises - Polynésie française. Il y retournera plus tard (voir ses carnets). Puis il vit principalement à Paris jusqu'en 1986.

En 1990, on le retrouve à Tokyo où il collabore à une exposition collective d'art contemporain in situ belgo-japonaise dont France Borel, tirera un livre.

Leur intérêt commun pour l'Inde, l'humour et la mise à distance des rails occidentaux en feront des amis très proches jusqu'au décès de France à l'ile Maurice en 2021

France Borel elle aussi allait un jour décider de démissionner de la vie sociale, de la direction de l'Ecole Supérieure d'Art de La Cambre pour parcourir le monde et s'y retrouver.

Elle et lui avait ce sens du retrait en partage.

En 1991, il participe à une exposition collective au Musée Art & Histoire de Bruxelles. Il aura deux expositions personnelles à Tokyo sans s'y rendre.

En 1996, il est finaliste du prix Europe de peinture de la ville d'Ostende au côté de Michaël Borremans.

À partir de 1997,

La galerie Fred Lanzenberg le montrera pendant une dizaine d'années, par quatre expositions dont un one man show à la foire d'Art Brussels. Un tableau sera acquis par le Musée d'Ixelles.

En 2008, exposition au Musée des Beaux-Arts de la ville de Tournai : Séroux - Manet / De la coupe aux lèvres.

2011, dernière exposition chez Fred Lanzenberg sur le refus du galeriste de s'ouvrir hors des attentes de sa clientèle.

En 2019 parait aux éditions Odile Jacob un essai qu'il coécrit sous l'hétéronyme de Paul Qwest avec Elisa Brune, à propos de ce que l'art et la science transforment en nous: "Nos vies comme événement".

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Jean-Pierre De Rycke - conservateur

De la coupe aux lèvres, ou du désir d’indiscrétions de Manet à Séroux

Les tableaux d’Edouard Manet du musée des beaux-arts de Tournai ont un point commun.

Ils invitent les visiteurs à être les témoins indiscrets du désir de rencontre d’une femme et d’un homme. Dans ces deux toiles, "elle" apparaît un rien ailleurs alors que "lui" s’avance de biais. Mais d’où vient le génie qui se dégage de ces œuvres si particulières ? Elles incarnent deux contractions : D’une part, celle par laquelle ces couples s’attirent, et d’autre part celle de la peinture qui se rapproche du spectateur. Par le jeu d’un effet de zoom, nous sommes confrontés en plan serré à la question du sens de nos désirs d’indiscrétions. Et c’est comme par effraction que nous assistons au mouvement du désir de rencontre des protagonistes.

Manet pour qui " la vérité est que l’art doit être l’ écriture de la vie " nous implique sans détour. Comme il le fit avec "l’ Olympia " et "Le déjeuner sur l’herbe", ces œuvres nous regardent littéralement à mesure que nous nous en rapprochons. « Peindre non la chose mais son effet » disait son ami Stéphane Mallarmé.

Dans sa fameuse conférence de Tunis le 20 mai 1971, Michel Foucault précise que le génie du peintre transforma radicalement notre vision de la peinture :

"Ce que Manet a fait, c’est de faire resurgir à l’intérieur même de ce qui était représenté dans le tableau, ces propriétés, ces qualités ou ces limitations matérielles de la toile que la tradition picturale avait jusque là eu pour mission en quelque sorte d’esquiver ou de masquer. Manet réinvente, ou peut-être invente-t-il, le tableau-objet, le tableau comme matérialité, comme chose colorée que vient éclairer une lumière extérieure et devant lequel ou autour duquel vient tourner le spectateur."

Dans cette exposition, à partir des deux Manet, ma peinture interroge la façon dont notre regard est porté sur nos fantasmagories. Je travaille par des juxtapositions de tableaux qui évoquent d’autres œuvres mises en espace. La mobilité du regard invite alors à reconsidérer notre perception par des cheminements de la pensée. L’œil redevient alors le rendez-vous de nos désirs les plus profonds, en particulier celui du franchissement de ce vide qui se contracte de la coupe aux lèvres dans le tableau « chez le Père Lathuille » où il est littéralement représenté.

Qu’est-ce qui peut donc bien fasciner à ce point Séroux chez Manet et amener le peintre bruxellois à mettre celui-ci « en situation » comme on dit, ainsi que nous avons l’occasion de le découvrir aujourd’hui dans le cadre du festival tournaisien « L’art dans la ville » ?

Le hasard ou la fatalité - disons plutôt la providence - tout d’abord, le musée des Beaux-Arts de Tournai étant en effet, ce que l’on ignore encore trop souvent, le seul lieu en Belgique où sont conservées des œuvres de Manet. Et quelles œuvres !

Puisqu’il s’agit tout simplement de deux des plus célèbres réalisations du peintre, alors en pleine maturité et possession de ses moyens, deux jalons peut-être et deux repères certains dans l’histoire de la peinture moderne car les deux toiles inondées de couleur et de lumière que vous avez sous les yeux, « Argenteuil » et « Chez le Père Lathuille » datant respectivement de 1874 et 1879, peuvent être rangées parmi les prémices de l’impressionnisme.

Quoi de plus naturel dans ces conditions que notre « prince charmant » jeta tout son dévolu sur notre « Belle au bois dormant » - je parle du musée – encore en quête de résurrection.

Une certaine idée de la « rencontre » ensuite, et de la séduction – à l’origine du titre choisi par l’artiste, fort inspiré par la philosophie et la littérature, pour son installation.

Tout comme Manet aimait à s’introduire dans l’intimité des couples en devenir par l’acuité d’un regard volé, tel un paparazzi de la « Belle époque », Séroux scrute la rencontre privilégiée entre deux individus contemporains, prélude obligé à un rapport plus intime, objectif ultime, mais parfois non avoué, de toute parade amoureuse.

Ainsi en va la vie ! Tous deux prolongent à leur manière le thème de la « conversation galante », de la drague pour le dire plus crûment, si consubstantiel à toute une tradition de la peinture, voire de la « culture », française sinon « francophone », et si merveilleusement initiée au début du dix-huitième siècle par Antoine Watteau, le peintre de Valenciennes, dont le musée des Beaux-Arts de Tournai possède également dans ses collections, nouvelle révélation, un éblouissant petit morceau choisi.

Avant propos de Fred Lanzenberg.

Plusieurs années sont passées depuis la dernière exposition de Séroux.

Lent mûrissement d’une oeuvre. Un fait important, le passage de la peinture acrylique à l’huile avec laquelle il obtient de la profondeur. différence qu’un visiteur non averti ne discernera pas de prime abord.

Car tout, dans le travail de Séroux , est fait de nuances. Cette oeuvre que j’ai montrée à de nombreuse reprises, n’a cessé et continue de m’énerver, disons plutôt de m’interroger.

Il y a déjà longtemps, regardant ses peintures en compagnie de Guy Gilsoul, à coté des oeuvres d’autres artistes, je m’étais surpris à formuler : D’entre tous, il était le seul artiste contemporain que j’exposais. Je laisse à chacun d’interpréter le sens que je pouvais donner à ce terme.

Qu’en est-il ?

Séroux nous offre des images claires, lisibles, sans repentir, à priori réalistes. Mais tout est illusion. Richard Lindner écrivait, il y longtemps : Tous les artistes sont des trompeurs. Peut-être dans le sens où ils ont la capacité de nous troubler ou de nous déstabiliser.

Dans le cas de Séroux, la lecture ne se borne pas à la première lecture. Mais déjà, nous ne nous bornons pas à regarder un tableau, il nous met dans la position de voyeurs. 

Dans ses mises en scène ou mises en abîme, nous regardons des personnages de dos, en arrêt devant des tableaux. Et lorsque les tableaux de Séroux sont accrochés, dans une galerie, par exemple, nous voyons des personnes de dos, regardant ses tableaux sur lesquels des personnages admirent des tableaux. Les visiteurs de l’exposition sont devenus, eux-mêmes, des personnages de Séroux. Nous pourrions parler d’une installation.

Voyeurisme, indiscrétion, désir : Dans certains tableaux antérieurs, les Vitrines, les mannequins dans les vitrines, habillés sinon dévoilés. Là, pas d’intermédiaires entre nous et la scène représentée, mais nous pouvons nous surprendre à regarder la scène à la dérobée.

Si Séroux avait pris comme sujet des femmes dans les vitrines, l’effet n’aurait pas autre. Ses mannequins sont plus vrais que nature, à tel point qu’il m’est arrivé d’entendre des remarques choquées de visiteuses qui déploraient que ces femmes soient sans tête, décapitées en quelque sorte, ce qui est le cas dans la plupart des magasins.

Le faux serait-il plus vrai ?

Les corps qui se cherchent, s’offrent, les bouches qui s’enlacent. Séroux a revisité l’Origine du monde, d’autres artistes l’ont fait avant lui. C’était trop tentant. Les corps emprisonnés d’Akaki, les Bouches carmin sur grand écran, rappel du Pop ou d’images publicitaires. 

Galerie Fred Lanzenberg 9 avenue des Klauwaerts, étangs d’Ixelles 1050 Bruxelles

Un visiteur de la galerie Fred Lanzenberg contemple un tableau de Séroux. Il se tient devant vous. Vous le voyez de dos. Vous le regardez, lui de dos, regardant l’œuvre. A votre insu vous êtes vous-même devenu un Séroux.

Le peintre en effet se plait à saisir des gens de dos tandis qu’ils regardent une œuvre, ils deviennent ainsi partie intégrante du tableau.

Ce phénomène de poupée gigogne donne le vertige. Beaucoup d’artistes ont eu recours à ce procédé qui s’apparente davantage à une démarche intellectuelle qu’au geste pictural. Heureusement la peinture de Séroux suit l’idée.

Il organise des découpes, cadre des oeuvres de Manet, examine les nus avec une loupe d’entomologiste, campe des visiteurs de musée en jeans et leur donne la dégaine des personnages de l’hyperréalisme américain, il y a du Hopper dans ses clartés, dans ces tranches de vie immobiles et contemplatrices, oserais je dire que devant certains de ses personnages en attente j’ai parfois songé à Robert Guinand.

Et aussi à la pièce de théâtre Musée Haut Musée Bas , de Jean-Michel Ribes qui s’amuse, mais depuis les planches, à observer des observateurs et à poser la question du rapport entre le public et l’oeuvre regardée..

Rencontres inattendues

entre design et art

Le Design Museum Brussels et le Musée d’Ixelles se lancent dans un pas de deux rythmé et spontané au gré de l’exposition Crush qui met en relation inédite des pièces de leurs collections respectives.

Répondant à l’invitation du Design Museum Brussels, le Musée d’Ixelles (actuellement fermé pour travaux de rénovation et d’agrandissement) sort une sélection de peintures, sculptures, photographies et autres dessins de ses réserves pour créer des liaisons heureuses et des accointances particulières avec the Plastic Design Collection.

Ce titre serait-il l’évocation de ces « riens » qui composent le quotidien, notre intimité solitaire : une gorgée de café, un rayon de soleil qui se dépose sur le visage, une brise douce comme une caresse, un soupir, un regard. Ou encore, une cigarette dans un salon doté d’œuvres d’art. Moment de contemplation ? De mélancolie ?

Ou simplement de quiétude, habilement, l’artiste joue d’un probable moment d’isolement pour remplir son œuvre d’un silence feutré enveloppant.

Associés à ce moment particulier, la gamme colorée de cendriers d’Hiroko Takeda et Andries Van Onck ponctuent ce crush d’un sursaut d’allégresse.

Nothing

1999 Acrylique sur toile

Collection du Musée d’Ixelles / Bruxelles